Mythos Genie: Warum es besser ist, kein Genie zu sein

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Die meisten Menschen haben von Genies ein sehr romantisches Bild: nur wenige Menschen sind so begabt, dass sie besonders kreativ sein könnten. Noch heute sagen wir: von der Muse geküsst, also auserwählt für eine kreative Leistung. Normalsterbliche hingegen sind nichts Besonderes, nicht kreativ begabt – also kein Genie. Damit hält sich seit Jahrhunderten hartnäckig die Legende vom Genie. Während in der Wissenschaft dieses Konzept bereits ad acta gelegt wurde, scheint der Mythos in der Alltagskultur fest verankert zu sein.

Da Vinci, Shakespeare, Goethe, Schiller, Kafka, Hemingway… dies ist eine klassische Liste literarischer Genies. Zwei Dinge fallen dabei auf.  Zum ersten: Diese Schriftsteller haben sich mit Werken wie „Faust“ oder „Der Alte und das Meer“ in den literarischen Kanon eingeschrieben. Zum zweiten: Es sind männliche Genies. Fast immer, wenn von einem Genie die Rede ist, ist damit ein besonders kreativer Mann gemeint. Die lange Liste an männlichen Literaten und Künstlern beweist es immer wieder. Aber was genau ist ein Genie? Und wieso wird es fast ausschließlich zur Charakterisierung von männlicher Schöpfungskraft genutzt?

Das Wort Genie stammt im englischen Sprachraum vom lateinischen „Genius“ ab, ein Schutzgeist in der römischen Mythologie, der nur Männern innewohnte. In Deutschland und Frankreich geht das Genie zurück auf das lateinische „ingenium“, angeborenes Talent, ist aber seit der Renaissance ebenso männlich dominiert. Bis heute scheint sich daran kaum etwas geändert zu haben. Ein Blick auf den Literatur- und Kunstmarkt zeigt, wie stark immer noch in unserer Gesellschaft das Genie mit Männlichkeit verbunden ist. Aber was ist, wenn „das Genie“ nur ein Mythos ist? Eine Idee von etwas, das nicht existiert? Brauchen wir noch die Vorstellung eines männlichen Schöpfergeistes oder ist eine kreative Leistung nicht etwas, für das hart gearbeitet werden muss?

Geniestreiche kommen nicht von ungefähr

Der berühmte Heureka-Moment des Archimedes von Syrakus kann erst nach einer intensiven Auseinandersetzung mit Themen erfolgen und ist keinesfalls ein Geistesblitz. Thomas Edison formulierte es einmal sehr treffend: „Genie ist 1 Prozent Inspiration und 99 Prozent Transpiration.“ Damit funktioniert der Mythos nicht mehr, da kreative Schöpfung kognitive Arbeit voraussetzt.

Denn was ist Kreativität eigentlich und was macht sie aus? Kreativ ist etwas, was zugleich neu und brauchbar ist. Doch bevor dieses Neue da ist, schwirren so viele Ideen in unserem Kopf, die zunächst geordnet und nach ihrer Brauchbarkeit abgeklopft werden müssen. Um etwas Kreatives entstehen zu lassen, ist eine Auseinandersetzung mit vorangegangenen Ideen und Konzepten notwendig. Hierfür brauchen wir eine gewisse Entspannung, bei der instinktiv verschiedene Wissensgebiete im Gehirn miteinander verbunden werden, die beim bewussten Denken zunächst voneinander getrennt sind. Dies wird in der Kreativitätsforschung auch „Spreading Activation“ genannt.

Dafür braucht es Offenheit gegenüber den verschiedensten Themen und Erfahrungen sowie eine intensive Auseinandersetzung mit ihnen. Ein Genie kann das nicht leisten! Es bezieht Inspiration aus einem Vakuum, während Kreativität durch das kombinatorische Spiel funktioniert – wie Einstein es nannte. Freie Assoziationen formen neue Ideen, die dann gefiltert und geschliffen werden müssen. Dies erfordert Hartnäckigkeit und Anstrengung. Ganz anders also als die Vorstellung vom Genie, das von der Muse geküsst wird!

 Entmystifizieren wir das Genie

Kreative und herausragende Leistungen bekommen wir nicht einfach so, sondern wir müssen hart dafür arbeiten. Geben wir daher die Vorstellung vom Genie auf! Ein Mythos ist niemals so gut wie die Realität, denn diese Vorstellung braucht einen Glaubenssatz, eine Erklärung, dass etwas ist, wie es ist. Der Geniemythos funktioniert als Annahme, dass nur wenige Talentierte kreativ und schöpferisch tätig sein können. Doch das ist mittlerweile wissenschaftlich widerlegt! Der aktuelle Erkenntnisstand der Forschung ist, dass Kreativität eine normale menschliche Fähigkeit ist. Diese ist bereits von Geburt an vorhanden und kann jederzeit aktiviert sowie weiterentwickelt werden.

Warum wir das Genie dennoch so sehr lieben, liegt an unserer Kulturvorstellung. Deutschland, das Land der Dichter und Denker; Deutschland, das Land der Kultur und Innovation. Mit Einsetzen der Aufklärung, der Klassik und Romantik beginnen deutsche Intellektuelle einen Geniekult zu entwickeln. Dabei wird das Genie zum Schöpfer von Welten, in der Literatur wird der Dichter zum zweiten Gott. Somit wird Frauen von vornherein Schöpfungskraft versagt! Denn Gott ist ja bekanntermaßen männlich und zeugungsfähig. Da in dieser Argumentationslinie Schaffenskraft ein männlicher Part ist, sind Frauen damit niemals schöpferisch kreativ. So ist Weiblichkeit vor allem mit Tugenden wie Fleiß und Strebsamkeit verbunden, während Männlichkeit das Bild von Unabhängigkeit, Zeugungs- und Durchsetzungskraft transportiert. Das Genie muss demnach männlich sein!

Doch diese Vorstellung begrenzt uns jedoch in jeder Hinsicht. So denken wir, Männer sind fähiger als Frauen und Kreativität wäre eine besondere Gabe, die nur Auserwählte besitzen. Aber dieser Glaube ist gefährlich, denn er setzt einerseits weibliche Kreativität herab und andererseits – was vielleicht noch viel schlimmer ist – verhindert er neue Ideen.

Schaffen wir doch das Genie ab, denn wir brauchen es gar nicht

Damit wir kreativ in unserer modernen Gesellschaft tätig sein können, müssen wir demzufolge das Genie abschaffen! Denn der Glaube an es begrenzt und fesselt unsere Kreativität. Wir sind keine wartenden Sklaven der Muse, die erst zu uns kommen und uns küssen muss. Im Gegenteil: die absichtliche, aktive Kreativität kann bewusst sowie systematisch gesteuert und entwickelt werden. Dabei gibt es eine Vorbereitungs-, eine Inkubations- bzw. Reifephase, dann folgt eben jener Heureka-Moment und danach eine Bewertungs- und eine Ausarbeitungsphase. Ein langer Weg, den die Kreativität da durchläuft.

Dies ist dabei auch eine ganz andere Vorstellung als beim Mythos Genie, der darauf abzielt, Ideen als plötzliche Eingebung und Schöpfungsakt zu inszenieren. Schaffen wir diese Legende also endgültig ab, kehren wir dem Mythos den Rücken, wir brauchen ihn nicht mehr! Kreativität ist schließlich in jedem einzelnen Individuum vorhanden und lässt sich nicht nur auf ein „Genius“ oder „ingenium“ zurückführen.

Autorin: Saskia Liske

Kalevala – die Sprache des Polarlichts

Kalevala – die Sprache des Polarlichts

Werde von der Lust getrieben,
Von dem Sinne aufgefordert,
Daß ans Singen ich mich mache,
Daß ich an das Sprechen gehe,
Daß des Stammes Lied ich singe,
Jenen Sang, den hergebrachten.

Mit diesen ausdrucksstarken Versen beginnt die Kalevala, das „finnische Nationalepos“. Zumindest vom Begriff ist sie den meisten Literaturinteressierten bekannt, doch wohl nur wenige haben sich schon einmal vollständig durch das achtteilige Lyrikwerk gearbeitet. Ein Lesebericht.

Direkt von der Ofenbank

bild runensänger
Runensänger, Uhtua 1894. © Wikimedia Commons

Die Handlung der Kalevala steht ganz in der Tradition heidnischer „Urdichtung“ wie zum Beispiel des Nibelungenliedes. Keine von politischen Idealen durchdrungenen Freiheitskämpfer oder durchtriebene Intriganten sind die Helden des Epos, sondern einfache, grob gezimmerte Charaktere wie der Schmied Ilmarinen oder der Jäger Lemminkäinen. Nicht weltbewegende Götterschlachten, sondern Hochzeiten, Ernte oder Fischfang bestimmen ihr Tagwerk. Natürlich strotzt die Sage nur so von fantastischer Zauberei, grausligen Ungeheuern und geheimnisvollen Artefakten, aber anders als homerische Dramen oder Goethes Welt-Sinn-Suchen rankt sich um alles ein grob gezimmertes Gerüst einfacher Begebenheiten, welche die Denkwelt der Landbevölkerung bestimmt. Eifersucht, persönlicher Wohlstand oder der Wunsch nach einem ruhigen Leben sind die Motive, von denen die Charaktere angetrieben werden. Sehr oft lesen sich die Zeilen wie direkt aus dem Mund eines Bauern gesprochen, direkt, unkompliziert und äußerst bildhaft. Dies kommt nicht von ungefähr, denn der Autor des Werkes, Elias Lönnrot, sammelte ähnlich den Gebrüdern Grimm Anfang des 19. Jahrhunderts bei seinen Reisen durch Karelien die mündlich überlieferten Volkslegenden von den „Runensängern“, den finnischen Skalden, auf und versuchte diese dann überwiegend originalgetreu in einer einheitlichen Form wiederzugeben.

Vom Goldmahlen

bild sampo
Das Schmieden des Sampo, von Akseli Gallen-Kallela © Wikimedia Commons

So erklärt sich auch die relativ zusammenhanglose Handlung, trotz der Gesamtform eines durchgehenden Zyklus. Von einer Schöpfungsgeschichte über die Fahrt ins Totenreich bis hin zu Aussaat-Anweisungen ist so ziemlich die ganze Bandbreite des Mythen- und Lebenskosmos vertreten. Bekanntestes Motiv ist das Schmieden des Sampos, einer goldproduzierenden Mühle. Ebenfalls eine große Rolle spielen Zauberlieder, dessen Kenntnis ihrem Sänger gottgleiche Schöpferkräfte geben können. Dabei kommt oft eine Kantele zum Einsatz, das typische Begleitinstrument der Runensänger. Bei richtiger Beherrschung kann der Spieler dieser finnischen Zither einen träumerischen Klang entlocken, was sich ideal als Hintergrundmusik für Erzählstunden am Lagerfeuer geeignet haben dürfte. Das bereits beispielhaft präsentierte Versmaß kennzeichnet das gesamte Werk und wurde in seiner Kompliziertheit von den Runensängern so tatsächlich benutzt. Um Neulingen das Lernen zu erleichtern, ziehen sich außerdem zahlreiche Stabreime und Wiederholungen durch sämtliche Passagen. Insgesamt liest er sich daher sehr prägnant und trotz der fehlenden Prosaform recht eingängig. Wer die Aufmerksamkeit aufbringt, dem nicht ganz anspruchslosen Text auch über mehrere Seiten zu folgen, wird mit eindrucksvollem Kopfkino und einer Stimmung zwischen lakonischer Einsamkeit und depressiver Schönheit belohnt, welche des Öfteren als „typisch“ für jene Länder in der Nähe des Polarkreises angesehen werden mag.

Unterschätztes Juwel

In ihrem Heimatland erlangte die Kalevala im Zuge des damals europaweit zunehmenden Nationalbewusstseins gigantische und kontinuierliche Popularität, viel größer als selbst hierzulande Goethe oder in England Charles Dickens. Bis heute besitzt das Epos teilweise politische Wirkung. Kinder, Unternehmen oder Stadtviertel werden mit Begriffen daraus benannt, während einprägsame Textstellen zu Sprichwörtern geworden sind. Leider erweist es sich aber als anstrengend, eine aktuelle deutsche Übersetzung der Kalevala aufzufinden, vielfach sind nur gekürzte Ausgaben oder antiquarische Exemplare erwerbbar. Angesichts der guten Verfügbarkeit vergleichbarer Klassiker eine ziemliche große Lücke und längst überfällig. Immerhin durfte selbst Donald Duck sich schon durch die Feder des Comiczeichners Don Rosa nach dem Sampo machen.

Autor: Niklas Gaube